北京佛兰德斯美术学校
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关于色彩—色彩的形成
色彩创作是在感性表达与理性认知交互作用基础上，由创作者做出的经验分析，他们试图分析出，所看到的色彩与所画出的色彩之间的差异。只不过这种分析，既不是结论性的，也不是 性的，因为这不是创作者通过色彩对于事物的认定，而是他们运用色彩对于事物的形容。我们与其说色彩创作是一种艺术的表现方式，倒不如说，色彩创作是一种艺术的形容方式。是对事物美好价值的形容，也是对色彩自身价值的形容，甚至是对创作者自我价值的形容。
在色彩绘画中，我们时常会把喜爱的事物好有一比，比作赤橙黄绿，比作赤橙黄绿相互融合所产生的境界。这既是我们看到的颜色，也是我们想到的颜色。至于这种形容方式的好与坏，则取决于形容是否“恰当”，而不是形容是否“准确”。在这里，“恰当”就是对色彩形容本身成功与否的 形容。其实无论是生活中的色彩，还是绘画中的色彩，它们的存在都是相对的，不是 的。“ 的色彩”只存在于我们的主观世界里，倒是“相对的色彩”存在于客观世界中。色彩以什么样的方式存在，只能取决于我们的主观认识。东方的色彩认知体系如此，西方的也是如此。只有相对主观的彩色，没有 客观的色彩。
正因如此，我们在用色彩去表现、去形容一个事物的时候，最要依靠的，往往是我们自己的意愿，而不是我们自己的知识，通常有关色彩的知识，只能是我们形容事物状态时的参照，不能作为形容事物状态的标准。因为色彩绘画的学习创作，既不能等同于艺术知识的问答，也不能等同于学术观点的论证，色彩的创作，只是我们每一个人对于主客观世界存在状态的一种形容和猜想。(图文来源于《清华大学美术学院 试卷评析作品集》)
清华大学美术学院报考/素描画成这样才能报考关于素描
多年的素描考试，让很多学校和学生产生了一种错觉，认为素描就是用铅笔描绘出试题所要求的内容，而且越具体、越细致，考试成绩越好，却忽视了与这些内容同等重要的绘画的形式语言，也就是画面中的点、线、面、形态、空间的意义，以及它们对于完成画中的内容所起到的作用。我们常说的“形似”实质描绘事物的外表，而“神似”则是指事物的内在关联。比如，我们既要刻画门窗、桌椅、人物花卉、水果的形状，又要懂得并且画出由这些形状所构成的大小、曲直、软硬、松紧、黑白等画面空间关系。能够在自己所刻画的事物之中，观察和寻找出造型上的规律，了解这些规律之间的相互关系，并运用这些关系去创作，将刻画出的形象完美、有序、创造性地结合在一起，做到真正的神形兼备，这才是素描考试的意义所在，才是素描的综合能力所在。因为素描考试是一种关于分析问题与解决问题能力的水平测试。
如何用素描来表现失重
失重原本是一种物理学意义上的空间现象，现在成为了一种美学意义上的空间现象，而且是相对于正常现象的反常现象，它呈现了事物在微重力环境下所处的不确定状态，这种状态值得描绘，更值得联想。
与正常的空间状况相比较，失重表现出的特点是“动”，而不是“静”。这是两种不同的审美状态，前者是正常的，后者是反常的。而我们更习惯于审美的正常状态，习惯于在正常状态下对于静态事物的描绘，具体地说，是对于那些具有确定性因素的事物的描绘，并且由此养成了绘画应该是一种正常状态的审美判断。也正因为此，我们只习惯于描绘“静”，不习惯于描绘“动”。因为“动”有违于正常的审美准则，它的不确定性常常让我们无从把握、无从判断，久而久之，我们便只能认识“静”，不再认识“动”了。这就是我们画得了“静”，画不了“动”的原因，也是我们始终依赖客观描绘，敬畏主观表达的原因。
其实动态的事物，并不比静态事物更难于描绘，只是描绘的意义有所改变，由原先对于“静态空间关系的记录”，变为了现在对于“动态空间关系的组织”。一种是被动的刻画，另一种则是主动的塑造。而审美教育的核心，恰恰是培养学生主动塑造的能力；主动的塑造形象、主动的塑造画面、主动的塑造视觉规律，并最终达到塑造他们自己的目的。长久以来，我们过于重视了被动的刻画，过于轻视了主动的塑造。所以我们越来越擅于用手去画，越来越不擅于用心去想，不知不觉中，我们审美判断能力已经变得不再完整。
失重虽然改变了原有视觉因素的规律，也就是“静中求动”。却让我们发现了新的视觉因素的规律，也就是“动中求静”，这无疑是对素描教学的思维拓展。以往我们画画，是在规律中寻求变化，重在刻画记忆，是能力的体现。现在我们画画，是在变化中寻找规律，重在调动记忆，是想象力的体现。我们的素描教学正在改变、也正在进步，还需要更多的教育者和受教育者参与其中。(图文来源于《清华大学美术学院 试卷评析作品集》)
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